Stuckistas Iraníes

Obras de Hamed Dehnavi, Pouya Haghani, Hamid Hemayatian y Pouria Hezaveh, respectivamente.

Link

.

Adolph Menzel (III): de grandes pinturas de historia

Discurso de Federico el Grande a sus generales antes de la batalla de Leuthen (1757, Óleo sobre tela, 318 x 424 cm

Esta pintura es, hasta la fecha, la que más me ha impresionado, la que más tiempo me ha dejado clavado al suelo, en este caso del Boden Museum de Berlín. En la reproducción que aquí muestro, uno no puede sentir todo aquello que la obra transmite en directo, el pixel acaba por enturbiar las cualidades de una imagen que, por otra parte, tiene el encanto de lo no terminado. Esta obra, pese a que nunca fué ni será acabada, resulta en una composición perfecta, equilibrada, en la que cada color, cada linea, cada masa, está donde tiene que estar. En esta tela tenemos el trabajo impecable de una imagen, de manos de un creador que conocía perfectamente el lenguaje visual, y lo demostró creando varias obras maestras. Porque, sí, tengo fé en las obras maestras, existen, y no es un acto de fé, porque las obras maestras se pueden ver, y son para eso para lo que fueron creadas.

Desde un punto de vista temático, esta obra no es más que un testimonio del historia, del mismo modo que Las Meninas son un retrato de grupo de la familia real. Pero lo que hace de esta obra de Menzel, o de Las Meninas, las obras maestras que son no es el QUÉ, sino el CÓMO. La excelencia volcada en la invención y materialización de estas imágenes es lo que hace que sobresalgan y sobrevivan a los siglos, es lo que hace que sean recordadas para siempre.

Adolph Menzel (II): de rancias alcurnias y bajezas sociales

Adolph Menzel (I): de espacios serenos y ventanas

La horterada al cubo

Esta es mi pequeña aportación al 1er Concurso Hartista de felicitaciones navideñas, una horterada "artística", con hortera ornato y en el hortera formato de la felicitación navideña.

:)

El arte no es para los museos..

... el arte es para el hombre.



Me quiero quedar con los primeros 30 segundos de este vídeo.

Esto es, una negación categórica a la teoría institucional del arte. Porque sí, Oteiza, este entrañable cascarrabias, atina, el arte es algo totalmente ajeno y postizo al contexto institucional, a los museos, universidades, comisarios y galeristas, el arte es para el hombre.

Al aceptarse y asumirse ( como hoy ocurre) la teoría institucional, se acepta que "arte" es algo que no viene del objeto, si no de una institución "X".

Un planteamiento continuista de éste, pero a su vez tremendamente crítico con el mismo sería plantear que, si bien hoy día el adjetivo "artístico" viene de "estructuras paralelas" (por no decir "estructuras parasitarias"), el "Arte", o el "arte oficial", es una cosa, el "arte", o el "buen trabajo de la imagen", otra (pudiendo en ocasiones coincidir, aunque no tiene porqué). Con tan sólo ir un poquito más allá, se podría considerar la manida frase de "el arte ha muerto". Es muy posible que el "Arte" haya muerto realmente (a juzgar por el nulo interés de la sociedad por el arte contemporáneo, que lo observa como la excentricidad de unos cuantos pagada con dinero de todos).

Ahora bien, lo que nunca puede morir, es el arte verdadero, el que es para el hombre.

Insensibilidad filosófica

“Lo que cuestionamos es que las consideraciones estéticas estén incluidas en la definición de arte. Si no es así, entonces simplemente acompañarían a ciertos objetos vinculados al concepto pero sin formar parte de su lógica, y no serían filosóficamente más importantes que otro sinnúmero de cosas, tales como su valor o su coleccionabilidad, que también forman parte de la práctica del arte, aunque no de su concepto.” *1

"Al final, tener sentido de la belleza seguramente tendrá poco que ver con cierto olfato para el arte”.*2

Leo y escribo sobre filosofía del arte, y me sorprendo de la completa insensibilidad que continuamente manifiesta uno de "los grandes", como es Danto, al considerar legítima la separación entre arte y estética que, por otra parte, es cierto, venimos padeciendo en "el mundo real". En realidad este tipo refleja muy bien desde la teoría la realidad del arte (oficial) hoy, por poco que nos guste esta realidad y ese arte. Considero necesario, pues, un esfuerzo serio por tratar de derribar estas teorías, y sobre sus cenizas edificar algo nuevo, alternativas que no separen estética de arte, o, en fin, arte de público.

Que los filósofos perdonen mi intrusismo. Pero teniendo en cuenta la cantidad de veces que éstos lo han realizado en nuestra disciplina, creo que estamos en paz.

*1 pag. 141.
*2 pag. 147.

Arthur C. Danto.
La transfiguración del lugar común, una filosofía del arte. 1981
Ed Paidós.
Traducido por Angel y Aurora Mollá Román, 2002.

Apropiacionismos: Russel Connor

link

William Kentridge

Sobre El Guernica: Ron English

Sobre imagen digital.

Estoy alucinando. Últimamente estoy aprendiendo bastante diseño gráfico. Ya se algo de Illustrator, y ahora estoy liado con Photoshop, y luego pasaré a Indesign. La cosa es que cuanto más conoces estos programas, más te das cuenta de las infinitas posibilidades que estas herramientas ofrecen. Realmente son ingenios que cualquier "trabajador de la imagen" debe o debería dominar, es un gustazo.

Con este tipo de herramientas, como digo, se pueden hacer virguerías, pero me gustaría conocer un poco más sobre el trabajo que otros han realizado en formato digital. Por ello aprovecho la ocasión para que me digáis, vosotros, lectores, qué artistas conocéis que trabajen la imagen digital de forma excelente. (Cuando digo artistas no me refiero necesariamente a personas que realicen imágenes en el contexto institucional artístico, me valen también diseñadores, publicistas, etc..)

Del mismo modo, y para seguir practicando, me comprometo a realizar una especie de "auto-cadáver exquisito" con la portada de este blog, e ir completándola y enriqueciéndola poco a poco, con el paso del tiempo.

“Debe abandonarse la creencia ingenua de que la creación verdadera pasa directamente del taller del artista al espectador. (…) Duchamp dijo que el soltero se muele su propio chocolate. Ésta es, por lo tanto, una metáfora masturbatoria: el impulso amoroso no llega a ninguna parte, cae al suelo.
Así sucede con la mayor parte de la actividad artística. El creador produce incesantemente, impulsado por una energía inacabable, similar a la amorosa. Pero lo normal es que el resultado no entre en los “canales” de la artisticidad ni vea nunca la luz pública.“

Juan Antonio Ramírez: "Ecosistema y explosión de las artes."
Ed. Anagrama. 1994. Páginas 24 y 26.

Y AL POCO TIEMPO, SE INVENTÓ INTERNET.

Hartmut Kiewert

Uno de los mejores artistas que he podido conocer personalmente, una persona humilde, un trabajador incansable, que amontona en su estudio pinturas de grandísimo formato, dibujos, litografías,.. e instrumentos musicales.

Link, link

"El joven estudiante de bellas artes" óleo sobre tela, 195x130cm. noviembre de 2009.

Nunca he mostrado una obra mía en este blog, para eso tengo el otro, pero creo en este caso haré una excepción..

Esta obra ha sido un trabajo intensivo, apenas 3 semanas de denso trabajo han bastado para conformar esta compleja composición.

Dada la gran cantidad de elementos y personajes que conviven en esta composición, sería por mi parte absurdo entender que sólo sea posible una interpretación. Hay tantas polisemias posibles como espectadores de la obra, ya que al observar la imagen, alguno de sus elementos narrativos puede ser significativo para una persona, pero no para otra. En cualquier caso, paso a redactar una breve “sugerencia de interpretación”, y que cada cual, luego, quiera entender esta obra a su libre albedrío.

Lo que en esta obra trato de simbolizar es la similitud entre la forma de funcionar de las instituciones religiosas y las instituciones del arte oficial. En lo que viene a llamarse “el circuito”, o “el mundillo”, existen unos valores que determinan qué es arte y que no lo es basados en caducas y asépticas teorías institucionales (como la de Danto). La oficialidad artística hoy realiza el siguiente razonamiento: si está en un museo, es arte. En este cuadro, pretendo resaltar cómo el joven estudiante de bellas artes (el personaje postrado de rodillas) se ve pues inducido a la adoración irracional de artistas absolutamente sobrevalorados como Marcel Duchamo o Joseph Beuys (cuyas “obras” aparecen sobre el altar). El alumno “medio”, pues, se baja los pantalones ante el pensamiento mayoritario del profesorado (el personaje con pinta de sacerdote extasiado, en pleno síndrome de Stendhal ante la coronación del ready-made), y acepta el dogma impuesto por la oficialidad artística, según el cual, para ser “contemporáneo” uno a de hacer cualquier cosa excepto trabajar con imágenes. La chica de actitud extasiada y casi divina simboliza a la crítica de arte oficial (o del comisario-estrella), el cual, nunca, y digo nunca, realiza una crítica, ya que el papel del crítico y del comisario hoy consiste en la labor publicitaria de aquellos artistas que a su vez tienen relación con algún galerista amigo. La crítica hoy no critica, si no que ignora aquello con lo que no se posee ningún vínculo “comercial”, y por el contrario sube a cotas casi divinas a otros que por razones siempre económicas, interesa. Por otra parte, en la parte inferior izquierda tenemos a un minúsculo personaje con una paleta en la mano (el pintor, o, en definitiva, el creador de imágenes) que intenta en vano entrar por una puerta aparentemente abierta, pero concienzudamente atrancada desde dentro. Dentro de dicho edificio, no hay otra cosa la posibilidad de poder pagarse una hipoteca con nuestro trabajo, la posibilidad de dormir en un techo y no bajo las estrellas, como el personaje que se ve tras la ventana. Por otra parte, en la parte derecha de la escena, tenemos al público (simbolizado en la figura del payaso), que no puede hacer otra cosa que descojonarse del grotesco panorama que nos ofrece el “Arte” (con mayúsculas); un urinario convertido en la esencia del Dios, y una religión en torno a su figura, en la cual personas muy serias y muy doctoras, no se dan cuenta, hacen el ridículo.

Creo que en esta obra he marcado un precedente significativo, ya que hasta ahora todas las obras supuestamente “transgresoras” y “reivindicativas” se perdían en obras visualmente nulas, meras conceptualadas, lo que las convierte en insignificantes y de escaso poder evocador. Es decir, que la acostumbrada trasgresión conceptual no es otra cosa que la mayor de las complacencias existente, ya que dice cuestionarse a sí mismo, pero en el fondo este mensaje no llega a nadie. Está en la mano de nosotros, los que si que queremos trabajar la imagen, los que sí que queremos llegar a un público, el “salir del armario”, y cuestionar, de verdad, aquello que consideramos injusto.

Pero como ya he dicho, esto es una mera interpretación. Aquel espectador que no sepa quienes eran Duchamp o Beuys, o simplemente que no quiera acatar esta interpretación, siempre podrá entender el conjunto “a su manera”, y por mi parte, no se lo reprocharé.